胡安·米罗《哈里昆的狂欢》
Carnival of Harlequin
Joan Miro
1924
这是一幅能挑动人们欢乐情绪的画，有着如儿童画一般的天真和想象力，也充满着幽默趣味。这是米罗的第一幅超现实主义绘画，描绘了一场别开生面的狂欢。哈里昆是意大利民间戏剧中一个快活、滑稽的小丑，他位于画面中央，圆圆的脸被描绘成半红半蓝，叼着一根长长的烟斗，两撇胡子一上一下地抖动着，略带忧伤地看着这场狂欢。
画面中的猫、蜜蜂、鱼、虫甚至是梯子都在愉快地跳动着：右下角的两只猫似乎穿着套头衫，正玩着一根绳子；蜜蜂正在变着魔术；小丑骑在独轮车上演奏着乐器；小鱼在桌上跳着舞蹈；甚至窗户外面的星星都在欢乐地扭动。画面色彩和形状略显单一，但所有一切都充满着热情和活力，沉浸在狂欢的热闹气氛中。
乔治亚·欧姬芙《黑鸢尾》
Black Iris
Georgia O'Keeffe
1926
《黑鸢尾》画面黑色犹如水墨，在画布上散开或浓或淡的层次。这是一朵从自然环境中移除的鸢尾，脱离了现实的花朵看起来更加梦幻。在看似对称的构图中，花的每一条曲线似乎有着自己的想法；形态各异的花瓣边沿被不同的线条勾勒，现代感呼之欲出。
蒙德里安《黄、蓝和红的构图》
Composition with Red, Yellow and Blue
Piet Mondrian
1930
蒙德里安的绘画结构里有乌托邦式的纯粹，有一种平稳的和谐与永恒。颜色、空间感、位置都不是单一存在，而是通过事物之间的关系表达的。
《黄、蓝和红的构图》是治愈系的视觉盛宴；用理性和秩序构建具象与抽象的平衡。“三原色”的简单结构，反映了对于“和谐”的独特理解，以及在失衡中找平衡的艺术理念。
达利《记忆的永恒》
The persistence of memory
Salvador Dali
1931
《记忆的永恒》这幅画中表现了一种“由弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”，画中以风景为衬托，有一只正在熔化的钟表，软瘫的蜡一样的钟表，它们被挂在树枝上，落在不知名的方形体积上，搭在胚胎状物体上。画面中的风景是异常平静的，它是那只著名的“软表”的背景，“软表”即将熔化。事实上，柔软的钟表也是达利最广为人知的题材，他自己也十分喜爱表现“软表”这一题材，仿佛表示出达利对“时间”这个主题的狂热。对于时间的制约性，以及时间到底存不存在永恒性和记忆性，达利特别感兴趣。
这种常常被他描绘成软绵绵的甚至可以流动的钟，显示出他对自己所痛恨的事物的冷酷无情，而这样一种象征手法也只限于他所憎恨的事物。他曾说：“机械从来就是我个人的仇敌;至于钟表，它们注定要消亡或根本不存在。”
爱德华·霍普《夜鹰》
Nighthawks
Edward Hopper
1942
《夜鹰》描绘的是城市中孤独的人。
整个街区被夜晚笼罩，只有这个咖啡店没有打烊。店铺没有入口，我们只能通过玻璃来观察咖啡店内发生的事，这更加强了疏离与孤独的感觉。
店中有四个人。彼此疏离没有交集，一个穿着红色衣服的女人，鲜艳的红色头发，在整幅画阴冷的色调下显得格外突出。她没有与身边任何的人互动，像是陷入了沉思。这位红色女郎很有可能是画家的妻子乔，乔也是霍普的专属模特。
坐在女人左边的是一个抽着烟，表情阴郁的男人，男人的鹰钩鼻更加重了他冷冰冰的感觉。这个人物是霍普与乔在格林尼治村的夜晚游荡时偶然发现的。乔做的笔记写道：“夜鹰（鹰钩鼻）穿着深色西装，戴着钢灰色的帽子，黑色的饰带，蓝色的衬衫（干净），拿着香烟。
背身男人似乎在玩手机，服务员也心不在焉，坐着手里的事却望着窗外，不知在看些什么。
乔治·莫兰迪《有绿盒子的静物》
Still life with Green box
Giorgio Morandi
1954
意大利形而上画派莫兰迪，专注于静物题材，《有绿盒子的静物》是其视觉艺术的精华表达。画面设置成一条水平线，物品置于格栏般的结构中。
节制的色调，以及阴影的精微暗示，赋予了平凡之物以永恒的涵义。莫兰迪以尽可能接近物品自身的表达方式，提供给观者对具象世界最基本状态的一瞥。
弗朗西斯·培根《绘画》
Paintings
Francis Bacon
1946
作为首个揭示痛苦和愤怒折磨的画家，培根用前所未有的血腥和冷酷笔触，揭示了战争带给人内心的扭曲和阴暗面。
早期作品《绘画》意义深远浓缩了缪斯7号混乱的工作室，撕裂的肢体、悬吊的肌腱、冰冷的仪器、杂乱的地板。
潜在的冲动元素与病态的甜美色彩并置，以登峰造极的雄健笔法，跻身表现主义大师之列。
阿希尔·高尔基《洋蓟的叶子是猫头鹰》
The Leaf Of The Artichoke
Arshile Gorky
1944
高尔基经常混合多种自然元素，来暗示人和自然重新建立的联系。《洋蓟的叶子是猫头鹰》是其形成自己的艺术风格的代表之作。
绘画从早先刻意的苦心经营转变，为直抒胸襟的自由挥洒，画面显得轻松而流畅。高尔基两代美国艺术家指明了道路，他的成熟作品的绘画自发性，预示着抽象表现主义的到来，对美国和世界艺术的贡献难以估量。
安德鲁·怀斯《克里斯蒂娜的世界》
Chirstina's world
Andrew Wyeth
1948
《克里斯蒂娜的世界》是1948年美国画家安德鲁·怀斯绘制的一幅现实主义蛋彩画，描绘一名卧在褐色荒原上、望向背景里灰房子的女性。 此画现为纽约市现代艺术博物馆的永久藏品。画中的女性是安娜·克里斯蒂娜·奥尔森，患有小儿麻痹症，因而下身无法活动。
虽然画中女性的姿势是来自克里斯蒂娜，但实际上真正的模特是怀斯的妻子贝琪。《克里斯蒂娜的世界》中使用的绘闸技巧，怀斯称之为“扁平画法”，作品具有浓厚的乡土色彩，创造出独特的怀乡写实画风。怀斯的绘画透过乡村小屋和朴实的小人物，表现存在于内心的孤寂感。潜含着一股淡淡的怀乡的感伤。
曼·雷《阿丽娜和瓦尔古》
Aline et Valcour
Man Ray
1950
超现实主义绘画的“反常”是指表面上对现实的扭曲，却能形成艺术中的奇趣，造成艺术中的新奇效果。但“反常”必须“合道”，也就是说：虽出意表之外，却在情理之中，即“反生活常理而合乎艺术之道”。
超现实主义者曼·雷，在弗洛伊德之前，就用艺术的方式勾勒出心理问题的轮廓。萨德的小说中，阿丽娜和瓦尔古彼此相爱，但父亲阻止其结婚。曼·雷画中阿丽娜的头颅着双眼，置于钟型罩内，暗示被断头台重创。
其父则如同躺着的人偶，面孔背对，呈现心理和生理绝对征服的状态。曼·雷对某种人性的阴暗面做了雄辩的视觉批评。
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